Arquitecturas fingidas en el Reina Sofía

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía abrió el programa Producciones con la instalación “La Torre”, obra inédita de Leandro Erlich ubicada en el patio de la ampliación de Jean Nouvel hasta el 23 de febrero de 2009. Leandro Erlich, a sus 37 años, es el artista latinoamericano con más proyección internacional de su generación.

“La Torre” que expone Erlich en el Reina Sofía, convoca varios elementos tradicionalmente contemplados en la historia del arte, aunándolos al servicio de la posmodernidad y otorgándoles un cierto aura conceptual. En primer lugar, la idea del trampantojo, trompe`oil o engaño de la visión, que utiliza no sólo en esta obra sino en otras anteriores como “La Pileta” (1999), dónde hacia parecer que había gente sumergida bajo el agua de una gran piscina. Este concepto no es desde luego ni reciente ni posmoderno. De hecho, el estilo arquitectónico de la pintura romana no quería más que mostrar, mediante el engaño de la visión, arquitecturas fingidas. En el Renacimiento se retoma este concepto en las villas y palacios serlianos y palladianos y desde luego en el Barroco se desarrolla profundamente para acentuar la visión divina de cúpulas y naves al servicio de la religión (por ejemplo, la iglesia de Il Gesù, en Roma). Muchos artistas han explorado y explotado la idea del trampantojo, que no es más que la traducción de trompe `oil al castellano. Goya, sin ir más lejos, le dio un magnífico sentido en los frescos de la cúpula de San Antonio de la Florida ya en el siglo XVIII.

"La pileta", (1999)

Leandro Erlich otorga a esta técnica tradicional un enfoque posmoderno. Aúna todas las tradiciones del “engaño de la arquitectura fingida” y las desarrolla a través de lo que se le da bien a él: la performance, la concepción moderna del arte visual, y el desarrollo técnico y tecnológico al servicio de la instalación. Además, la situación del yo con respecto al otro, el que está como volando sobre mí en el interior del edificio reúne las conclusiones básicas de la lucha del conocido “Movimiento Moderno” en arquitectura: la visión de la obra arquitectónica como edificio inseguro, racional y conceptual.[1] En el caso de la Torre, la arquitectura es importante como “contenedora” del espacio interior, pero no es un fin en sí misma, de ahí que el edificio exteriormente sea rudo e incluso feo.

En segundo lugar, el tema del espejo también ha sido muy recurrente en la historia del arte, particularmente en la historia de la pintura. Existen interpretaciones de todo tipo con respecto al recurso del espejo que origina la imagen reflejada en el espejo y su plasmación por el artista en su obra: ¿Es Narcisismo?, o ¿Es inocente juego con la mirada del otro?. La intención de Erlich con el uso del espejo tiene un marcado carácter conceptual. Quiere sumergir al espectador en la profunda duda sobre qué es lo real y qué es lo reflejado. Y la paradoja es que el reflejo de la verdad, es otra verdad “real” dónde también estamos nosotros como una suerte de efecto bucle. El recurso de reflejo y reflejado y sus implicaciones filosóficas nos remiten a las imbricadas interpretaciones de obras míticas cuyo uso del espejo ha causado grandes quebraderos de cabeza: estoy hablando, por ejemplo, de Las Meninas de Velázquez. En esta obra se da paradójicamente el mismo efecto conceptual del que hablamos en la obra de Erlich. El espejo que al fondo refleja la imagen de los Reyes de España, no es más que el reflejo de nuestra propia imagen, pues nuestra situación privilegiada nos permite contemplar al lado de Sus Majestades lo que ocurre en la escena a lo largo de los siglos. Somos nosotros y estamos en nuestra realidad y en otra realidad paralela: el escenario de la obra.

Por otra parte, el valor de las maquetas está hoy día de gran actualidad. Al fin y al cabo, Erlich es un artista que interviene en el medio y algunas de sus obras son instalaciones efímeras, por lo que una vez desinstalada sólo queda como objeto artístico la fotografía y la maqueta. La misma teoría que han utilizado muchos artistas que han interactuado con el medio desde los años 60 y hasta nuestros días. Un claro ejemplo lo podemos encontrar en la obra de Christo y Jean Claude. La intervención en el medio es su mecanismo de expresión, pero el concepto de lo efímero es realmente su obra. Por ello, de lo creado, el arte son los recuerdos, ya sea en forma de fotografías, ya sea en forma de maqueta.

Como conclusión, algo que es completamente posmoderno en la obra de Erlich y que le da sentido a todas sus creaciones, es el uso lúdico que le otorga a su arte, el carácter de entretenimiento y diversión. Parafraseando a un gran crítico de arte, Ángel González, a propósito de la pérdida del sentido lúdico en el arte y en los museos y de la importancia de la risa, de la diversión por lo que él considera el sentido verdadero del arte: “¿Y dónde pasamos un buen rato? Yo siempre digo, en la discoteca. Yo les digo a mis estudiantes, mientras haya discotecas hay esperanza[2].”

Información Complemetaria:

• Leandro Erlich
• Museo Nacional de Artre Reina Sofía

[1] RODRÍGUEZ RUIZ, DELFÍN, La arquitectura del Siglo XX, vol. 47 de Historia del Arte, Historia 16, Madrid, 1993.
[2] FIETTA JARQUE, “Las ideas estropean la pintura”, Entrevista a Ángel González, elpais.es, 5 de abril de 2008.

Las vacas invaden la capital

El evento mundial de arte urbano conocido como Cow Parade ha llegado también a Madrid. Desde el 16 de enero hasta el 21 de marzo, turistas y habitantes de la capital podrán encontrarse con más de cien originales vacas decoradas, estratégicamente situadas por las calles y lugares más emblemáticos de la ciudad. Los distritos de Centro, Retiro y Salamanca han sido los seleccionados para albergar las obras de esta original propuesta. También podrán disfrutar de ellas los usuarios de las estaciones de metro de Callao, Gregorio Marañón, Manuel Becerra, Nuevos Ministerios y Aeropuerto.

Los artistas, seleccionados a través de concurso o por invitación directa del patrocinador, han tenido la oportunidad de pintar sus vacas en vivo y en directo hasta el pasado 29 de Noviembre. El taller de pintura, situado en la plaza Felipe II, ha estado abierto al publico con la intención de que cualquiera pudiera asistir al proceso de creación y cumplir así con uno de los fines de esta propuesta: la democratización del arte.

La vertiente social es una de las características fundamentales de esta inicativa que engloba a instituciones gubernamentales, artistas, entidades benéficas, comunidad empresarial y al público en general. Las marcas patrocinadoras tendrán una importancia fundamental ya que permitirán, con sus subvenciones, la gratuidad para el público. A cambio, se beneficiarán de la comunicación y de las actividades del evento por un periodo de más de 6 meses. Además de ste patrocionio, las vacas de Cow parade contarán con otro muy especial: muchos artistas y deportistas han puesto su granito de arena pintando su propia vaca, como es el caso de Fernando Alonso o Marta Sánchez. Hasta los miembros de Gran hermano tiene su propia vaca para customizar como muestra del patrocinio de Telecinco.

También los niños y los colegios podrán participar. Habrá concursos internos de pintura de vacas en papel y participarán en los talleres infantiles donde se podrán pintar o decorar mini-muus (vacas más pequeñas). Otra de las propuestas sociales de la Cow Parade será la subasta de obras seleccionadas cuyos beneficios se destinarán a entidades sin ánimo de lucro. La conocida casa de subastas Christie`s colaborará con la causa.

Los orígenes de este peculiar arte se remontan a la ciudad de Zurich diez años atrás. Al prestigioso escaparatista Walter Knapp se le ocurrió una idea que acabaría arrastrando a millones de personas de los cinco continentes: una exposición de arte público formada por vacas de tamaño natural en los distritos comerciales de Zurich. Su hijo, el reputado escultor Pascal Knapp, ayudó a modelar tres prototipos diferentes de vacas para que casi 800 vacas de fibra de vidrio fueran dispuestas por las calles de la ciudad, atrayendo a cientos de miles de visitantes, incluido Peter Hanig, el propietario de un negocio de calzado de Chicago, que quedó fascinado por la idea. Fue éste mismo quién convirtió la idea en todo un fenómeno de masas: la mayor exposición de arte público del mundo... Desde entonces, las vacas de la Cow parade han tomado medio mundo. Sólo en este año 2008 se las ha podido ver por distintas ciudades de méxico y Costa Rica, a ahora tomarán MadridY para terminar, os dejamos con un vídeo de la Cow Parade en la ciudad de San José en Puerto Rico.

Tiempos de arte y crisis

Una vez más, nuestro blog se ve salpicado con noticias relacionadas con la repercusión cultural de la crisis económica. Como en todo, hay quienes afirman que las crisis han sido un gran empuje para el desarrollo del arte porque sacan al hombre de su letanía y le enfrentan a la zozobra de la inseguridad de un sistema que apunta al derrumbe. También es cierto que en el mercado de obras de los más grandes artistas, siempre hay compradores dispuestos. Sotheby´s celebró el pasado 4 de noviembre la subasta dedicada al Arte Impresionista, Moderno y Ruso y cerró la jornada con una cifra de ventas que ascendió a un total de 223.812.500 dólares (181.309.845,92 de euros). Tres obras se vendieron por encima de los 30 millones de dólares cada una de ellas, estableciendo así un record para los artistas Kazimir Malevich y Edvard Munch. Composición Supremacista de Malevich, vendida a poco más de 60 millones de dólares (en línea con lo esperado), registró el precio más alto pagado por una obra de arte rusa vendida en una subasta, según informó la casa Sotheby’s. La marca anterior correspondía a “Fuga” de Wassily Kandinsky, obra por la que se pagó 20,9 millones de dólares en 1990. El Arte ha surgido como una vía de escape para el dinero que huye de la bolsa como consecuencia de la creciente inestabilidad en los mercados.Y Aunque el arte se presenta como una buena alternativa a esos capitales que están saliendo de la bolsa, se trata de una inversión a medio largo plazo y que, por sus peculiaridades, entraña cierto riesgo.

Composición Supremacista, Malevich

La creciente importancia que ha adquirido el arte en los últimos tiempos ha dado lugar a la creación de un nuevo tipo de negocio. Los Fondos de Arte son un sistema de ahorro para adquirir obras de arte cómodamente, casi sin darnos cuenta y financiarlas sin intereses. Una manera muy sencilla de ir iniciando una colección de arte de forma más asequible y que favorece sobre todo a pequeños compradores con un capital más humilde pero interesados igualmente en el mercado del arte.

También los artistas se ven afectados por las fluctuaciones de la economía. Una noticia reciente nos informaba de que el polémico artista inglés Damien Hirst despedirá a más de 20 colaboradores, la mitad de su plantilla en la capital inglesa, por las dificultades económicas que en la actualidad salpican el mercado del arte, según ha afirmado el propio artista. Como vemos, la crisis nos afecta a todos....

20 millones de ¿arte?

Quizá llego un poco tarde pues ya se ha dicho todo. Nunca una obra de arte había suscitado tantos comentarios como lo ha hecho, a nivel nacional por lo que a su autor respecta y a nivel internacional por su paradigmática situación, la reciente obra de Barceló. Quién más, quién menos, todos han hablado ya de la cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra, la "Sala de los Derechos Humanos y de la Alianza de Civilizaciones". Independientemente de que sea un "honor para los españoles" (¿Para quienes, para cuántos?) y sin entrar en el juego de mi criterio personal acerca de su belleza e indiscutible valor artístico, preferiría orientar el debate hacia un tema más universal: la dualidad temática que la obra supone y que despierta el debate social.

Por un lado, la consecución de una obra de tal magnitud y en un emplazamiento tan simbólico-representativo, nos habla de conveniencia de relaciones diplomáticas y políticas. Hoy en día, en los tiempos que corren, un español seleccionado para decorar una sala que debe representar no solo a España, sino a toda la humanidad quizá sea demasiado peso para nosotros...y es ante todo raro, más aún que la invitación de Sarkozy a la cumbre del G-8.

Por otro lado, el más puramente artístico, debemos ser honrados y reconocer una cosa, ciertamente esta obra cumple el objetivo que desde hace aproximadamente un siglo tiene el arte: llamar la atención sobre sí mismo. Otra cosa es bajo qué valores o criterios. ¿Los artísticos?, ¿los económicos? o ¿los políticos?. Si los enfrentamos, quizá las características estéticas, estilísticas y demás concepciones que entran en juego cuando visionamos una obra de arte, se eclipsan, sobre todo cuando se habla de diplomacia y dinero. Esto me da pena, pues me hace pensar que realmente la obra y el artista seleccionado son, en realidad, lo de menos. Todos nos movemos al son de las olas y participamos de la tendencia a pensar en que si ha costado tantos millones y le han elegido a él como creador, entonces debe ser un buen artista, y en consecuencia, eso que hace debe ser la máxima expresión del arte. ¿Quién anunciaba la muerte del arte?; hoy en día y al menos para los españoles, el arte es la cúpula de Barceló, y lo demás, es tontería.

Después de esta interpretación y disertación sobre las implicaciones y consecuencias de la gran creación, al leer lo que el propio autor ha dicho acerca de la misma, pienso que quizá me he complicado un poco la vida, y que a veces debería ser algo más simplista. Difícil en un mundo tan mediatizado que te dota de sus propias perspectivas. Por ello no hablo de si me parece bonita o fea como obra, porque yo he perdido la mía y ya no sé, francamente, si me gusta o no.

“En este mar agitado cabe suponer varios niveles: el fondo del agua y sus moradores policromos, el plano del agua, la espuma blanca del agua revuelta en marejada y, al final, lo que refleja el mar”. Barceló

Y esto son 20 millones de euros de fondos públicos y privados.

FERIARTE, el mercado del arte en tiempos de crisis

La 32 edición de Feriarte, Feria de Arte y Antiguedades, abre sus puertas este año con una nueva propuesta apta para los bolsillos más jóvenes que quieran iniciarse en el mercado del arte. La Galeria del Jóven Coleccionista ofrece una selección de piezas a un precio realmente atractivo. Su único requisito es que no superen los 3.ooo euros. El objetivo de este stand es impulsar el acercamiento de los más jóvenes hacia el mercado del arte para buscar nuevos compradores y relanzar un negocio que también se ve amenazado por la crisis. En este stand podrán encontrar pintura, obra gráfica, cerámica, arte oriental, porcelana, arqueología, etc. Se ofrecerán interesantes piezas, como un jarrón chino del reinado de Qianlong, de la dinastía Ping, del anticuario Meiping (por un valor de 1.300 euros), una silla descalzadora del XVIII francés de la anticuaria Marita Segovia (1.300 euros), cerraduras alemanas del XVII del anticuario Luis Elvira (2.000 cada una), o un azucarero de porcelana del XIX de Pía Rubio (450).

Feriarte es la mayor feria del sector en España con 170 participantes que ofrecen objetos tan diversificados como muebles, antigüedades clásicas, pintura antigua y contemporánea, esculturas, relojes, porcelanas, lámparas, plata, cristal, arte oriental y tribal, joyas y otros objetos de arte. Obras del antiguo Egipto, de la China Imperial, de Chagall, Lempicka, Picasso y Sorolla, componen entre otras las más de 19.000 piezas de alto valor artístico que deben tener un mínimo de cien años de antiguedad. Obras de todos los tiempos acogen desde un relieve egipcio del Imperio Nuevo, la pieza más antigua, hasta un hierro pintado por Jaume Plensa, la más reciente. Del mismo modo, los precios oscilan desde la pieza más cara, una obra de Sorolla valorada en un millón y medio de euros a los 100 que propone el stand de Galería del Jóven coleccionista en los interesantísimos grabados estilo Ukiyo-e. La variedad y diversificación está servida, la propuesta es amplísima en objetos, artistas y precios.

Feriarte se ha convertido, y este año más que nunca, en todo un acontecimiento que aspira a acercar al gran público, y no sólo al coleccionista, la mejor selección de los anticuarios de España. Las entradas se pueden adquirir por sólo 10 euros y como propuesta lúdico-educativa, por segundo año consecutivo se organizarán diariamente recorridos guiados gratuitos en aras de clarificar el sentido de muchas de las obras expuestas. Todo aquel que desee comenzar su andadura por el coleccionismo, o simplemente curiosear la variedad de ofertas, puede hacerlo en Ifema desde el 15 de Noviembre y hasta el 23 del mismo mes. Este año Feriarte es la mejor prueba para demostrar que, en tiempos de crisis, hay que abrir nuevas ventanas también en el arte.

Por Belén Martínez

Recorrido por el Museo del Traje

El Museo del Traje o Centro de Investigación del patrimonio etnológico (CIPE) es un museo de reciente creación (abril del 2004). Situado en una zona privilegiada, la Ciudad Universitaria, se aleja del centro neurálgico de la ciudad y aprovecha la naturaleza de su entorno que permite pasear y disfrutar del ambiente del campus: amplios espacios para caminar, restaurante y cafetería con vistas al jardín. Además, es frecuente encontrar estudiantes de Belles Artes, Arquitectura, Medicina o Educación Física en los espacios circundantes.

El edificio, dispuesto para albergar una amplia colección de vestidos de todas las épocas, fue levantado entre 1971 y 1973. En un principio se concibe para reunir la colección de Arte Contemporáneo Español pero hacia 1993 se trasladoron los fondos al actual Museo Nacional de Arte Reina Sofía convirtiéndose el edificio del actual CIPE en la sede del Museo de Antropología hasta el año 2004. A diferencia del Museo Nacional de Arte Abstracto de Cuenca, tratado en una entrada anterior, la estructura del edificio del Museo del Traje se creó desde el principio con fines museológicos y conforme a los criterios del Congreso de Arquitectura de Museos de 1968. Este cometido favorece las nuevas reformas que deseen hacerse en lo sucesivo tanto para mejorar tanto el aspecto del museo, como sus servicios.

A comienzos del siglo XX con la democratización del arte y la cultura, y coincidiendo con las vanguardias, surge también la democratización en la industria de la moda. Mujeres y hombres comienzan a interesarse por su vestimenta y la industria textil, entendida como creación, comienza a elevarse a la categoría de arte. Diseñadores, fotógrafos y modelos comienzan a proliferar en un mundo cada vez más modernizado en todos los ámbitos. El Museo del Traje quiere mostrarnos esa evolución en las formas de vestir desde el siglo XVI hasta la actualidad. En un espacio dividido en diferentes salas, conviven lo moderno con lo clásico, lo actual con lo antiguo. Una grabde y diáfana entrada nos sugiere una sensación de vacío que a medida que vamos penetrando en las salas va dejando un halo de misterio y evocación. Quizá ayuda la luz tenue que nos acompaña en todo el recorrido y que sólo se enciende al acercarnos, programada así para preservar la riqueza del delicado material que cubre los maniquíes tras las vitrinas. De forma cronológica, vamos adentrando en los hábitos y costumbres etnológicas de nuestros ancestros, perfectamente caracterizados en escenarios acordes a cada época: el ampuloso siglo XVII, la España del "majismo" retratado por Goya en el XVIII, o la moda afrancesada del XIX conviven con diseños actuales de Pertegaz, Balenciaga, Agatha Ruiz de la Prada, etc.

¿A quién no le llama la atención acercarse al pasado?. El CIPE no es un mueso común, no es un museo de artistas reconocidos cuya obra ha quedado para la posteridad. Se trata de algo mucho más cercano a nosotros, algo con lo que debemos sentirnos más comprometidos porque se trata, al fin y al cabo, de nuestro pasado. Para quien este contenido no le resulte cuanto menos curioso, quizá la propuesta lúdica del Museo atraiga en mayor grado su opinión. A través de salas paralelas al recorrido de la exposición, se propone al visitante que disfrute disfrazándose con trajes de época, que pruebe el pesado polisón que llevaban las mujeres en el siglo XIX, que conozca los distintos materiales y tejidos, o que desfile por una pasarela rodeado de obras de famosos diseñadores actuales.

Belén Martínez

Presente y futuro en la obra de Alberto García-Alix

¿Quién de nosotros, jóvenes o mayores, no se ha sentido alguna vez identificado con alguna de sus fotos?. Nostálgicos de la Movida y jóvenes que se identifican con ella, ¿Quién no ha paseado por el castizo barrio madrileño de Maravillas, núcleo de la Movida, escrutando a su alrededor y queriendo adoptar la mirada en blanco y negro de Alberto García-Alix, el cazador de imágenes?. Probablemente todos hemos sido testigos de diversas instantáneas dignas de su objetivo, pero ninguno ha sabido captarlas a través de la cámara como lo ha hecho y sigue haciendo este artista, premio nacional de Fotografía en 1999. Su aspecto es inconfundible, su moderna chupa contrasta con un cabello dónde la experiencia va dejando ya algunas canas, y no es dificil encontarle en uno de los garitos de Malasaña, barrio que desde la Movida no ha dejado de frecuentar.

Tras más de 25 años de trabajos, su cámara es testigo y testimonio de todos los cambios sociales experimentados desde los 80 hasta nuestros días. No le gusta que le encasillen como "fotógrafo de la Movida", quizá por que en esos años ganó y perdió víctima de un mal, la heroína, del que muchos sólo perdieron. Al margen de ello, García-Alix tiene una gran trayectoria profesional. Ha retratado a cientos de estereotipos y antihéroes: personajes del Rock-Ola, famosos y famosillos, actrices del porno, tatuajes y motos engloban gran parte de su producción, a la que ahora de suman también diversas imágenes y retratos realizados en China. Una nota común en toda su producción: siempre ha sabido captar con maestría su propia alma a través del alma de los retratados.

Desde ayer y hasta el 23 de Febrero, el Museo Nacional de Arte Reina Sofía (MNCARS) quiere rendirle homenaje a través de una exposición que nace de su primera incursión en el campo audiovisual: De donde no se vuelve, un vídeo de 40 minutos que da título al total de la exposición. Con ocasión de su estreno se exhibe además una selección de más de 200 fotografías de diferentes formatos, algunas inéditas, que recorren su amplia trayectoria desde 1976 hasta su viaje a China el pasado 2007. En esta muestra su presente y su pasado se miran cara a cara. Fraguada desde 2003 en Paris, nos muestra el lado más introspectivo del artista, con imágenes minuciosamente seleccionadas por él mismo que muestran la evolución de un artista que recuperado de las huellas de la Movida y en pleno proceso de deconstrucción, aún le queda mucho camino por recorrer.

Autorretrato, Premio 1999-2003©Alberto García Alix, VEGAP,Madrid,2008

Coincidiendo con la exposición se publica el libro Moriremos mirando, en el que se recoge la totalidad de su obra escrita entre 1987 y 2008. Casi cincuenta textos que arrancan con su primera colaboración en la revista Sur Exprés hasta el guión definitivo del vídeo que da título a la exposición. Además, para aquellos con ganas de saber más, el próximo viernes día 7 tendrán la oportunidad de asistir grautitamente a una charla con al artista organizada por el MNCARS a las 19.00 horas en el Auditorio 200 del Edificio Ampliación.

Belén Martínez

El arte abstracto en España

Existen muchos tipos de museos. Podemos encontrar estructuras completamente modernas creadas ex profeso o edificios reaprovechados con soluciones museológicas que albergan maravillosas colecciones pero adolecen de los problemas propios de un edificio antiguo sin tal proyección inicial. Realmenete, la dificultad y el mérito de la museología moderna surge cuando es necesario el acondicionamiento de un espacio antiguo. No olvidemos que problemas tan insignificantes para el visitante como la humedad del lugar, son fundamentales para la buena conservación de la colección que allí se va a exponer. Por ello, la adaptación de espacios y materiales son algunos de los inconvenientes que deben gestionarse en el momento del reaprovechamiento de edificios antiguos. El objetivo museológico que se persigue en cada caso, es el que hace que en unas ocasiones se valore más el continente que el contenido, o viceversa.

En un maravilloso enclave que aúna lo urbano y el paisaje, el turismo y la naturaleza, se encuentra uno de los museos más reconocidos de España: el Museo de Arte Abstracto de la ciudad de Cuenca. En él, a lo intrincado y laberíntico de la disposición y división de un edificio reaprovechado que data del siglo XV se une una colección que destaca por ser la única en España dedicada exclusivamente al arte abstracto nacional. La conjunción de ambas facetas es la que en él hace que continente y contenido se sostengan en un sosegado equilibrio de fuerzas. Bien es cierto que cada museo tiene sus particularidades y peculiaridades, pero cuando en un mismo lugar se da el espacio idóneo para una determinada colección, el resultado es doblemente satisfactorio.

Para entender el significado de estas palabras, uno tiene que adentrarse en sus pasillos y corredores y disfrutar de la concatenación de espacios mientras se deleita en observar las 127 pinturas y esculturas de reconocidos artistas españoles de la generación abstracta de los años 50 y 60, junto con algunos de los 80 y 90. La colección inicial del Museo, creada sobre la base de autores de la generación posterior a la terminación de la Segunda Guerra Mundial, y continuadora en cierto modo de las ideas renovadoras que en su día tuvieron Picasso, Miró y Gris, fue concebida con el fin de conseguir una representación de los principales artistas de la generación abstracta española. Su creador, Fernando Zóbel, deseaba que no se dispersara la obra de sus compañeros, que no se marchara toda al extranjero y que fuera conocida en España.

Así, artistas como Eduardo Chillida, Gerardo Rueda, Rafael Canogar, Luis Feito, Antoni Tápies, Antonio Saura, Eusebio Sempere, Zóbel, etc. nos ofrecen su particular visión del arte en un espacio que les rinde culto. La búsqueda de este lugar se inició en 1961, y en junio de 1963 el pintor y escultor conquense Gustavo Torner sugirió la posibilidad de establecerlo en las Casas Colgadas de Cuenca. Perfectamente acondicionado, el lugar le sugería muchas posibilidades. En primer lugar el diálogo que se establecía entre una pintura harto abstraizante y los casi imposibles espacios; en segundo lugar, el diálogo entre la naturaleza circundante y las posibilidades que la luz otorga al lugar y la obra. Desde el primer momento Torner fue el codirector del Museo, con Gerardo Rueda como conservador.

Abesti Gogorra IV, Eduardo Chillida, 1960-1964

Museo de Arte Abstracto de Cuenca

El que no haya paseado nunca por la ciudad de Cuenca, atravesado sus hoces y disfrutado de sus monumentos, gastronomía y naturaleza, que no dude en hacerlo y aprovechar para contemplar una de las más maravillosas colecciones españolas de arte, un orgullo para todos nosotros: el Museo de Arte Abstracto Español.

Belén Martínez

Cuéntanos, Rembrandt

Nuevamente el Museo del Prado nos deleita con un extenso monográfico de uno de los pintores sin duda más importantes de la Historia del Arte en Europa: Rembrandt Van Rijn. Bajo el título "Rembrandt, pintor de historias", el Prado quiere mostrarnos el sentido narrativo que se extrae de toda su producción artística. Desde el 15 de Octubre y hasta el 6 de enero del 2009, un itinerario cronológico de la obra recorrerá dos grandes salas ubicadas en la ampliación realizada por el arquitecto Rafael Moneo. Precisamente para aquellos interesados en una visita exhaustiva tanto de la exposición como de las instalaciones que la albergan, sin duda merece la pena consultar la siguiente infografía habilitada por el Museo del Prado con motivo de la exposición: Rembrandt. Pintor de historias

La exposición, que incluye obras procedentes de 20 lugares diferentes de Europa y Estados Unidos, abre la secuencia con "Autorretrato con traje oriental", realizado a los 25 años de edad y la cierra con "Autorretrato como Zeuxis". La idea es que, a través de dos obras tan alejadas en el tiempo, podamos comprender que la evolución artística de la obra del maestro se centra, más que en lo pictórico, en su forma de entender la historia y su personal forma de contarla. También podemos destacar trabajos como "San Pedro y San Pablo", obra de juventud cedida por la National Gallery of Victoria de Melbourne, o la monumental "Sansón y Dalila" del Stádel Museum de Frankfurt, obra de madurez. De este modo 40 obras, 35 pinturas y 5 estampas, acompañarán durante casi tres meses a "Artemisa"(imagen superior), hasta el momento la única obra del artista en el Museo del Prado. La muestra se completará con seis obras de otros grandes hitos de la pintura; Tiziano, Rubens, Velázquez, Ribera y Veronés, nos ayudan a comprender las influencias y reflejos que ayudaron a Rembrandt a conformar su particular visión del arte.

La inauguración, que tuvo lugar el pasado día 14, contó con la presencia de su majestad el Rey acompañado por el ministro de Cultura, César Antonio Molina, la presidenta de la Comunidad, Esperanza Aguirre, el Alcalde de Madrid, Alberto Ruiz Gallardón, el director del Prado, Miguel Zugaza y representantes del BBVA, patrocinador de la exposición. En el acto, Zugaza ha descrito a Rembrandt como uno de los pintores "más originales e influyentes" de la historia de la pintura. También estuvo presente Alejandro Vergara, jefe de conservación de pintura flamenca y pinturas del Norte y encargado de comisariar la exposición. Para él, la idea central de la muestra ha sido reflejar la capacidad narrativa de Rembrandt ya que "miraba la historia, la antigüedad clásica con unos ojos extremadamente extraños...la idea es que a través de sus pinturas Rembrandt nos cuente su versión de la historia". Él mismo nos cuenta, a través del siguiente vídeo su visión de la obra de tan magnánimo artista.

Belén Martínez

La explosión del arte

Paisaje apocalíptico, Ludwig Meider, 1913

Generalmente, los momentos artísticos más esplendorosos y prolíficos suelen venir acompañados de circunstancias históricas determinantes. En Europa, en el periodo que precede a la Primera Guerra Mundial se fraguan diversas corrientes artísticas que premonicionan y profetizan el desastre. Las vanguardias dotan a la Historia del Arte de corrientes muy divergentes pero con una finalidad compartida: mostrar al espectador la desarraigada alma del artista que no es otra cosa que el fiel reflejo de una incipiente y desoladora sociedad de masas. El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid se proponen deleitarnos con una muestra que auna las opciones artísticas que caracterizaron el recorrido histórico que se establece entre el nacimiento de las vanguardias, su auge, y el estallido de la Gran Guerra, un periodo enormemente productivo culturalmente.

"¡1914! La Vanguardia y la Gran Guerra", nos propone una exhaustiva revisión del arte de vanguardia desde 1913 hasta 1918 a través de sus artistas más representativos. Tras cuatro años de negociaciones con museos y pinacotecas, por fin, expresionismo, cubismo, futurismo, vorticismo y primera abstracción recorrerán desde el miércoles 8 de octubre hasta el próximo 11 de Enero las salas del Museo Thyssen Bornemisza y de la Fundación Caja Madrid. A través de más de 200 obras de arte procedentes de colecciones y museos de dieciséis países diferentes, Klee, Kandinsky, Kirchner, Marc, Schiele, Brancusi, Chagall, Nolde, Goncharova, Boccioni, Léger, Severini, Popova, Grosz, Macke y otros muchos nos ofrecerán su particular visión, en ocasiones desgarradora, del momento histórico que les tocó vivir.

Metrópolis, George Grosz. 1916-1917

Según palabras de Guillermo Solana, «Este proyecto no se enmarca dentro de la industria del entretenimiento ni del espectáculo. Es nuestra gran apuesta de la temporada, una cita para la educación y la reflexión». Precisamente para la educación son varias las propuestas con motivo de esta exposición. El curso monográfico titulado "La Vanguardia artística en la guerra de 1914. Alistamientos, movilizaciones" comenzará el próximo 22 de octubre dirigido por el Jefe del Área de Investigación y Extensión Educativa del museo y comisario de la exposición, Javier Arnaldo. Él mismo abrirá el ciclo de conferencias bajo el título "La década del fragor". La misma intención educativa tiene la guía didáctica publicada por Caja Madrid para los más jóvenes. La propuesta pretende, a través de un ciclo de actividades y conciertos de los compositores más representativos de la vanguardia, acercar a los jóvenes la tensión y el ambiente de la época a través de algo tan elocuente como la música.

Javier Arnaldo, comisario de la exposición, Guillermo Solana, conservador jefe del Museo Thyssen-Bornemisza, y Rafael Spottorno, director de la Fundación Caja Madrid serán los encargados de ofrecernos ésta ambiciosa exposición que abrirá sus puertas hasta el próximo 11 de enero.

Más información:

• Guión del Concierto y Guía Didáctica. (Fundación Caja Madrid).
• Fundación Caja Madrid.
  
• Museo Thyssen-Bornemisza.

Belén Martínez